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Nov 19, 2023

Las probabilidades son buenas, los productos son extraños en Lisson Gallery, NYC (Video + Fotos)

Las probabilidades son buenas, los productos son extraños en Lisson Gallery, Nueva York, del 29 de junio al 5 de agosto.

Las probabilidades son buenas, los productos son extraños en Lisson Gallery, NYC

29 de junio – 5 de agosto de 2022

Imágenes (1-7) cortesía de Lisson Gallery

Con los artistas Leilah Babirye, Kristi Cavataro, Jess Fan, Doreen Lynette Garner, Hugh Hayden, Elizabeth Jaeger, Hannah Levy, Eli Ping, Jesse Reaves, Devon Turnbull (OJAS), Kristin Walsh

Las probabilidades son buenas, los bienes son extraños es una exposición colectiva que destaca una nueva generación de escultores con sede en Nueva York. Reuniendo obras de arte a través de una variedad de medios, la presentación muestra los valores divergentes detrás de la creación de esculturas en la actualidad. Los artistas presentados favorecen lo hecho a mano, creando un espectro de obras de arte que van desde lo pulido y conceptual hasta lo crudo y visceral.

Unidos a través del uso de materiales atípicos, los once artistas de la exposición habitan un campo fuera de la norma escultórica y se resisten a un sistema impulsado por la tendencia. Optan, en cambio, por enfrentarse a la formalidad. Los artistas comparten un interés en cómo el cuerpo humano, su fuerza y ​​su fragilidad, es desafiado por innumerables fuerzas contemporáneas, desde la enfermedad hasta la dislocación en un mundo digital. Emplean prácticas laboriosas ya través de sus respectivos métodos, desde la recolección de detritos durante sus viajes hasta el afilado preciso de sus construcciones, la presencia de las manos de los artistas en la obra permanece inconfundible. La exposición tiene como objetivo acentuar las disciplinas atípicas que informan la orientación de la escultura en la actualidad.

Un equino colosal porhugh hayden se encuentra en la entrada de la galería. En su práctica, Hayden comienza con objetos que inherentemente conllevan asociaciones significativas con la categorización social: raza, religión, etnia, educación, sexualidad y similares. Después de obtener especies específicas de madera, en este caso Cypress local del sureste de los Estados Unidos, Hayden utiliza un proceso riguroso de aserrado, lijado y esculpido para crear formas reconocibles pero retorcidas. El efecto es una interrupción metafórica del contexto social estadounidense tradicional. El trabajo de la exposición ilustra una serie de temas recurrentes en la iconografía de Hayden; la cebra como una realización de camuflaje, y el esqueleto por su falta de identificadores externos y su sugerencia de extinción pasada, y tal vez inminente.

Al otro lado de la galería delantera están colocadas dos grandes esculturas de vidrieras, una montada en la pared y la otra situada en el piso, porkristy cavataro . Las estructuras multifacéticas, a la vez redondeadas y cúbicas, son el producto de tediosos cálculos matemáticos y construcción práctica. La práctica de Cavataro incluye una adaptación de la técnica Louis Comfort Tiffany, utilizada en el siglo XIX para los diseños de vidrieras Art Nouveau. Los mosaicos de vidrio de Cavataro se cortan individualmente y luego se sueldan en formas que resisten las propiedades rígidas del material. Los resultados son formas arquitectónicas inesperadas. El material retorcido continúa en un nuevo trabajo deEli Ping Serie mota. El lienzo se convierte en un medio escultórico en la figura puntiaguda en forma de diamante. Ping corta, estira y tira del lienzo a través de sí mismo antes de verter resina sobre las formas recién alargadas y anudadas, cristalizándolas en una materia parecida a un hueso. La obra montada en la pared ofrece un nuevo encuentro formal y puede insinuar una metáfora bajo el alabastro artificial.

Dieciocho figuras de cerámica vidriada presentadas porLeilah Babirye examina la historia LGBTQ+ y confronta las tradiciones culturales que rodean la sexualidad y los derechos humanos en la Uganda natal de la artista. Babirye esculpe la arcilla a mano y, después de cocer la obra, gotea y empapa las esculturas de cerámica con esmalte utilizando técnicas no convencionales. Luego, las figuras se ensamblan con materiales recolectados en las calles de Nueva York: Mugave Ndugwa del Clan Kuchu Lugave (Pangolin) y Kinsambwe del Clan Kuchu Lungfish (ambos de 2022) incluyen alambre de cobre y cámaras de aire para neumáticos de bicicleta. Babirye usa deliberadamente componentes dispensados ​​en su trabajo, citando 'ebisiyaga', el término despectivo para las personas queer en el idioma luganda, que se traduce como la parte desechada de la cáscara de caña de azúcar. Los materiales reciclados de la artista son un reclamo de su comunidad, y sus figuras se inspiran en una variedad de tradiciones artísticas africanas.

sentarse cercade Kristin Walsh máquinas ominosas. Trabajando principalmente en aluminio, Walsh fabrica esculturas que hacen referencia a los mundos cada vez más humanos de la fabricación y la industrialización. Renunciando a las técnicas de producción en masa, Walsh corta, dobla, suelda y fusiona cada escultura a partir de láminas de metal. Sus obras cuentan con una superficie encerada y muy pulida que ofrece un sentido del ideal platónico del objeto de referencia, mientras que la fabricación artesanal repudia nuestra relación con la producción en masa. Las máquinas de Walsh han incluido sonidos de ingeniería de fabricación de relojes que interactúan con nociones lineales de tiempo y eficiencia. Las obras de la exposición transforman lo típicamente utilitario en distópico y extraño.

Tres nuevas obras deelizabeth jager , hechos de cerámica y acero ennegrecido, presentan figuras humanas en miniatura de pie dentro de vacíos oscuros o encima de tazas de té colgantes. Los dioramas exploran una fetichización de la clase media, examinan representaciones simbólicas de estatura y estimulan la presión social para mostrar estas indicaciones. Los pequeños cuerpos parecen frágiles en sus espacios, y las esculturas desafían al espectador a comprometerse con su relación con su propia fisicalidad.

las esculturas deDoreen Lynette Garner involucrar al cuerpo a través de una lente histórica. El artista examina los patrones pasados ​​y presentes de la violencia racial sancionada médicamente, centrándose en la experimentación médica en los cuerpos de las mujeres negras en los EE. UU. e ilustrando la consecuente indignidad. Las obras de Garner de 2017, Known But To God: The Dug Up, Dissected, and Disposed for the Sake of Medicine, combinan una amplia gama de materiales (vidrio, silicona, acero, masilla epoxi, perlas, cristales de Swarovski, whisky) para sugerir un cuerpo destrozado. partes, fluidos corporales y restos humanos. Lucy's Agony (2021) amplía la descripción de estos experimentos y señala las desigualdades actuales en la atención médica.

La corporeidad se extiende a las esculturas de Jes Fan y Hannah Levy.si ventilador Clavicle Repeated Four Times (2022) de Clavícula presenta moldes del cuerpo de un ex amante. El artista explora la materialidad del cuerpo generizado y su intersección con la biología. Al optar por usar las sustancias literales de la biología que se han aplicado para tipificar la identidad, Fan ha utilizado previamente melanina, testosterona, estrógeno, orina y otros materiales corporales en su vidrio soplado a mano y pigmentos. El material orgánico se incorpora a una construcción inorgánica más grande. En Rack I (2022), una forma cadavérica de vidrio se hunde sobre un gran conjunto de resina y silicona vertida. Esta materialidad anatómica también se muestra enhannah levy s formas carnales. El lenguaje visual de Levy es una amalgama de objetos reconocibles (sillas, zapatos, ganchos, suministros médicos, vegetales) absurdamente modificados por la adición de silicona estirada. El acero pulido y las propiedades formales exageradas en las estructuras de Levy toman una posición enigmática entre el objeto sensual y el mobiliario operativo.

jessi reaves construye sus muebles con materiales humildes que a menudo se encuentran o se recolectan. Sus formas esculpidas, hechas a mano ya veces irracionales, nunca se desligan por completo de la función. En European Yellow Couch (2018), Reaves transforma el sofá tapizado, cortando, pintando y reorganizando para dar la vuelta a la figura, revelando una nueva estructura definitiva. Los objetos de Reaves son un facsímil de la casa de la risa de su diseño original, cuestionando el propósito de la construcción y jugando con las percepciones de practicidad y estética.

Una sala de escucha creada porDevon Turnbull también se presenta en la exposición, una rara incursión en el ámbito escultórico para el multidisciplinario inclinado por el audio y el diseño. Formado como ingeniero de audio, Turnbull, que también utiliza el seudónimo creativo OJAS, crea a mano altavoces de alta eficacia y amplificadores de válvulas de baja potencia. Cada escultura de sonido es única, y Turnbull obtiene meticulosamente partes de audio raras para construir sus construcciones intrincadas pero con un diseño mínimo. A lo largo de la exhibición, la galería presentará programas enfocados de una semana en la sala de escucha que presentan discos de música raros y destacados de audio adicionales.

Sobre los artistas

Leilah Babirye (n. 1985, Kampala, Uganda) Babirye estudió arte en la Universidad de Makerere en Kampala (2007–2010) y participó en la residencia de artistas de Fire Island (2015). Creó una obra adaptada al sitio para 'Black Atlantic', un proyecto de Public Art Fund en Brooklyn Bridge Park, Nueva York, que se inauguró en mayo de 2022. Su obra está incluida en '52 Artists: Revisiting a Feminist Milestone' en The Aldrich, Ridgefield, Connecticut, hasta enero de 2023. En 2018, la artista obtuvo asilo en EE. UU. y presentó su primera exposición individual en Gordon Robichaux, Nueva York. La segunda se inauguró en octubre de 2020 y la galería también acogió una exhibición emergente del trabajo de Babirye en Los Ángeles, California, en febrero de 2022. Su trabajo se puede encontrar en colecciones públicas, incluido el Museo de Arte Hessel, Bard College, Annandale-On-Hudson , Nueva York; Museo de Arte, Escuela de Diseño de Rhode Island, Providence, Rhode Island y Sammlung Goetz, Munich, Alemania.

kristy cavataro(n. 1992, Connecticut, EE. UU.) recibió su BFA de The School of Art en The Cooper union en 2015. Su trabajo se incluye actualmente en Greater New York en MOMA, Nueva York, EE. UU. (2022) y dos exposiciones anteriores en Ramiken Crucible , Nueva York, Estados Unidos.

si ventilador (n. 1990, Scarborough, Canadá) recibió su BFA en vidrio de la Escuela de Diseño de Rhode Island y vive y trabaja en Hong Kong y Brooklyn, EE. UU. Fan se formó originalmente en la fabricación de vidrio, pero ha ampliado su práctica para abarcar diversos medios y enfoques. Fan ha recibido varias becas y residencias, incluida la Beca de la Fundación Pollock-Krasner (2022), la Beca Joan Mitchell Painters and Sculptors (2017), así como la Beca de Artista Jerome Hill (2019-2020). Exposiciones recientes incluyen Kunsthall Trondheim (2021); Museo X (2020); Museo de Arte Rockbund, China (2019); Galería Hayward, Reino Unido (2019); Galería vacía, Hong Kong (2018); y Museo de Artes y Diseño, EE. UU. (2017). Fan también ha participado en numerosas residencias de artistas con instituciones como el Bemis Center for Contemporary Arts, Recess Art, Smack Mellon y Pioneer Works. También participó en la Bienal de Venecia (2022), New Museum Triennial (2021), Bienal de Liverpool (2021), Bienal de Sydney (2020), Socrates Annual (2019).

Doreen Lynette Garner (n. 1986, Filadelfia, PA) es un escultor y modificador corporal estadounidense con sede en Brooklyn, Nueva York. Tiene un BFA en Vidrio de la Escuela de Arte Tyler en la Universidad de Temple con un MFA en Vidrio de la Escuela de Diseño de Rhode Island. Recibió la beca Joan Mitchell Painters and Sculptors, el premio Toby Devan Lewis, un premio Van Lier Fellowship, una beca Franklin Furnace y actualmente ejerce como escultora e inscriptora de carne. El trabajo más reciente de Garner se encuentra actualmente a la vista en "Pale in Comparison", una exposición individual en el Museo de Arte SCAD, Savannah, GA. Las exhibiciones seleccionadas incluyen "Steal Kill and Destroy: A Thief Who Intended Them Maximum Harm" -HALLE FÜR KUNST Steiermark (2021) "Greater New York" MoMA PS1 (2021) "She Is Risen" JTT Gallery (2019), STATEMENTS Art Basel ( 2018), "Hombre blanco sobre un pedestal" Pioneer Works (2017), "Surrogate Skin: The Biology of Objects" MoCADA (2016), "Ether and Agony" Antenna Gallery NOLA (2016) y "SHINY RED PUMPING" Vox Populi Gallery (2015). Garner ha completado residencias en LMCC Workspace Program (2015) Skowhegan School of Painting and Sculpture (2014) Abrons Art Center (2015-16) Pioneerworks (2016) y GAPP Residency en el Museo de Arte de Toledo (2016).

hugh hayden (n. 1983, Dallas, TX) recibió su Maestría en Bellas Artes de la Universidad de Columbia y una Licenciatura en Arquitectura de la Universidad de Cornell. Exposiciones individuales recientes incluyen Blaffer Art Museum, Houston, TX, EE. UU. (2022), ICA Miami, FL, EE. UU. (2021), The Madison Square Park Conservancy, Nueva York, NY, EE. UU. (2021), The Princeton University Art Museum, Nueva Jersey, EE. UU. (2020) y en White Columns, Nueva York, NY, EE. UU. (2018). Su trabajo ha sido incluido en numerosas exposiciones colectivas, entre ellas, Sculpture Center, Nueva York, NY, EE. UU. (2021); Hayward Gallery, Londres, Reino Unido (2020); The Shed, Nueva York, NY, EE. UU. (2019); Proyectos piloto, Filadelfia, PA, EE. UU. (2018); Festival de Cine de Sundance, Park City, UT, EE. UU. (2015); MoMA PS1, Rockaway Beach, Nueva York, NY, EE. UU. (2014); Parque de Esculturas Sócrates, Nueva York, NY, EE. UU. (2014); y Abrons Art Center, Nueva York, NY, EE. UU. (2013), entre otros. Recibió residencias en Glenfiddich en Dufftown, Escocia (2014); Abrons Art Center y Socrates Sculpture Park (ambos de 2012) y Lower Manhattan Cultural Council (2011).

elizabeth jager (n. 1988, San Francisco, CA) recibió su licenciatura de Lewis and Clark College en 2011. Sus exposiciones individuales recientes incluyen Holes en Jack Hanley Gallery, Gutted at Mister Farenheit y Brine en Klemm's en Berlín. El artista ha participado en numerosas exposiciones colectivas, entre ellas How To Survive en el Sprengel Museum, Hannover, DE Mirror Cells en el Whitney Museum of American Art, Moma PS1's Greater New York, Sculpture Center's In Practice: Fantasy Can Invent Nothing New y Aspen Zombis del Museo de Arte: ¡Presta atención!. Más recientemente, el artista exhibió en Ghosts en Jack Hanley Gallery, Dreamers Awake en White Cube, Londres, 99 Cents or Less en el Museo de Arte Contemporáneo de Detroit, Sticky Fingers en Arsenal Contemporary y The Sun and the Rainfall II en Galleria Zero. Milán.

Hanna Levy (n. 1991, Nueva York, Nueva York) Exposiciones individuales recientes incluyen High Line, Nueva York (2021); Casey Kaplan, Nueva York (2020); Mother's Tankstation, Dublín, Irlanda (2018); Fourteen30 Contemporary, Portland, Oregón (2017); y Biblioteca de Proyectos de Bandera Blanca, St. Louis, Missouri (2016). Las exposiciones colectivas notables incluyen Wege zur Welt - Hilde-brand Collection, G2 Kunsthalle, Leipzig (2019); Campi Magnetici (Campos magnéticos), Gió Marconi, Milán, Italia (2019); El artista está presente, Museo Yuz, Shanghái, China (2018); Te veo, Museo del Colegio de Arte y Diseño de Savannah, Savannah, Georgia (2018); Estar allí, Museo de Arte Moderno de Luisiana, Humlebæk, Dinamarca (2017); Past Skin, MoMA PS1, Nueva York, Nueva York (2017); y cosas que creo que quiero. Six Positions of Contemporary Art, Frankfurter Kunstverein, Frankfurt, Alemania (2017).

eli ping(n. 1977, Chicago, IL) recibió su MFA de la Universidad de Illinois en 2005 y su BFA de Vassar College en 1999. El trabajo de Ping se exhibe actualmente en Galerie Maria Bernheim, Zurich, Suiza (2022) y espectáculos anteriores incluyen Ramiken Crucible, Nueva York, EE. UU. (2021), Susen Inglett, Nueva York, EE. UU. (2013).

jessi reaves (n. 1986, Portland, OR) recibió su BFA de la Escuela de Diseño de Rhode Island en 2009. Recibió el Teiger Mentor in the Arts de la Universidad de Cornell en 2020 y fue una mención especial en el Premio de Diseño Hublot en Suiza en 2017 Las residencias incluyen The Chinati Foundation, Marfa, Texas (2021) y Fallingwater Institute Artist-in-Residence, Mill Run, Pennsylvania (2018). Las colecciones públicas incluyen el Museo de Arte Carnegie, Pittsburgh, Pensilvania; Museo de Arte RISD, Providence, Rhode Island; Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York, Nueva York.

Devon Turnbull (OJAS) (n. 1979, Smithtown, NY) OJAS es el seudónimo creativo de Devon Turnbull. Como estudiante universitario de ingeniería de audio, comenzó a usar el nombre en una variedad de disciplinas, incluido el graffiti, la música, el diseño gráfico y el diseño de ropa. En 2003, Turnbull cofundó la marca de ropa Nom de Guerre con Isa Saalabi, Wil Whitney y Holly Harnsongkram. Durante la siguiente década, mientras trabajaba principalmente en la moda, el nombre OJAS se mantuvo vivo en las esculturas de sonido que Turnbull estaba creando para sí mismo y para un número creciente de entusiastas del audio en todo el mundo. Con un interés particular en los altavoces de alta eficiencia y los amplificadores de válvulas de baja potencia, el equipo de audio Ojas tiene como objetivo brindar un sonido realista y natural al oyente. Estos productos son el resultado de dos décadas de experimentación, ingeniería y exploraciones en el subsuelo del audio.

kristin walsh (n. 1989, Emerald Isle, NC) recibió su Maestría en Bellas Artes de la Universidad de Columbia en 2017 y su Licenciatura en Bellas Artes de la Universidad de Carolina del Norte en Charlotte en 2013. Presentaciones recientes en solitario y de dos personas incluyen: Unworlding, Frieze London, Helena Anrather; The Manner of Working Events, Helena Anrather, Nueva York; NADA House, Helena Anrather, Nueva York; Fiordo, Filadelfia; Universidad de Salisbury, Salisbury, MD; Las exposiciones colectivas seleccionadas incluyen: Downs & Ross, Nueva York; Water McBeer, East Hampton, Nueva York; Helena Anrather, Nueva York; Marinaro, Nueva York; SEÑAL, Nueva York; Lenfest Center, Universidad de Columbia, Nueva York;; Proyecto Wassaic, Wassaic, Nueva York. Walsh vive y trabaja en Nueva York.

Comunicado de prensa y fotografías cortesía de la galería y los artistas. Si desea enviar su historia fotográfica o artículo, envíe un correo electrónico a [email protected]